一、音乐是重中之重
 
预告片牛不牛，音乐权重占70%以上。
 
一段旋律有范，节奏变化丰富的音乐，是动作电影预告片的核心。适用于所有类型的电影预告片。
 
剪辑技艺再牛，音乐平庸，预告片就平庸；音乐品位高，曲子编辑的好（音乐不是拿来直接一整条用的，需要经过延长、缩短、拼接、变速、变音等处理），那么剪得糙一点都没关系。
 
音乐是最直观给你“感觉”的东西，2分钟的音乐包含着巨大的情绪流，一个字也不用讲，音乐一起，就能让你感到“兴奋”“感动”“爱情”“幻灭”“哲学”“宗教”“紧张”“恐惧”“压抑”等情绪，这些抽象的大主题里面又能细分出无数具体的意象。
 
而画面和对白，在预告片的几分钟时间里，只能呈现出零星的“信息”。
 
所以，音乐最关键。
 
 
二、剪辑技巧
 
先明确一点，剪预告片时，几个镜头剪成一组，几组镜头构为一幕，三幕或者四幕就能组成一条完整的预告片。
 
 新来的剪辑师往往会出现“剪得比较乱”的问题，为什么？
 
1、一组镜头只需说清楚一个意思。如果你加入了不是这个意思的镜头，就会突兀。显得乱。
 
2、一组镜头讲完后，再去讲下一组镜头，逻辑上或者情绪上要有承接或者递进。新手会瞎跳乱跳，一组镜头还没讲完就开始下一组镜头。
 
3、幕与幕之间，要有大的逻辑串联。
 
 
 
 下面说的剪辑技巧，都是以组为单位。
 
1、镜头之间的视点和动势最好接上。
 
A视点就是视觉重点，上个镜头的视点结束在画面左侧，下一个镜头的视点就尽量从左侧起。
 
B动势变化要顺。这个看具体情况处理。如果你仅仅把动势顺着方向或者快慢“接上”，那么看起来虽然舒服，但是有些楞。好看的动势要像书法。有断有连，有急有停，有粗有细，有开有合。这个看感觉了。
 
2、根据音乐，普通镜头的剪辑要故意不压在节奏上，只把重要镜头压在节奏上。
 
所有镜头全压着节奏上，第一很楞，第二看起来像MV，第三（也是最重要的）你每个镜头都压在节奏上，到了牛镜头或者该强化的镜头时，再压在节奏点上就没那么好了，效果就出不来。
 
这样是先抑后扬的一种做法。
 
 
 
3、 “刺激——反应”链条。
 
 
 
剧情片里，说出的一句话，要接住。（用别人的反应、事件、另一句话等来接）
 
爱情片里，抛出的一个媚眼，要接住。（别人的媚眼，幸福的表情等来接）
 
 
动作片里，射出的一颗子弹，要接住。（东西被打烂，炸弹爆炸，人死亡等来接）
 
 
“刺激——反应”链条，是一组镜头最常用的叙事方式之一。给了刺激就一定要有反应，一组镜头才有结束感，结束之后再开始下一组镜头。路一步一步走，话一句一句说。新手剪片子，最常犯的毛病就是给了刺激，没反应。不知道怎么就到下一组镜头了。就好像你给别人讲故事，每句话都讲一半，观众不知道哪里出了问题，只觉得不舒服、不好，其实是你挖的坑没填上，绊到观众了。
 
 
 
4、跳切、快放、快闪夹黑帧、慢镜头
 
镜头节奏要变化：几个快的，就插一个慢的。几个近景，来一个远景。几个格斗，加个大场面。几句对话，来个爆炸……永远要给出变化，要有能量的起伏。带观众做过山车。
 
有时人物动作慢我会跳切或适当快放，显得有力一些。快闪夹黑帧这块，《匹夫》先导预告1分10秒处有例子，学生服日本刀砍人。
 
 
 
5、如果一场戏很牛，就整场放。（并不是说你不去处理它）
 
国外预告片最爱用的技巧，为什么？因为人家电影拍的牛，场面撑得住。
 
常常最后一个镜头（就是最高潮那个），就用片子里的一个牛逼的场景镜头做结尾。不像我们，用高速剪辑或者凌厉的剪辑堆砌出一个高潮来。《独行侠》的许多款预告片都是这么干的，一整场动作场面码上去。很过瘾。
 
6.、起高潮之前压低，高潮后要安静，再起更高的高潮。
 
 
 
通常，开枪爆炸之前，我们会刹住音乐，让整个音响安静下来，说句话或者什么的，再起开枪或爆炸。这样做是为了让高潮显得更高更有力。通过能量差产生对比，做强效果。
 
三、音响音效设计
 
 
 
评论里有位朋友说觉得音效最关键，实际上，没有最关键的，所有的步骤都是关键。创意、剪辑、音乐、音效、特效等方面全都做到高完成度，才能出一支好预告片。
 
好莱坞预告片的音效使用量是非常小的，随便打开一支好莱坞大片的预告，旁白和音乐占音响总量的90%，只有在关键的地方才有一两个音效。他们最重要的是对白，对白一起，音乐都会降好几个量级。
 
好莱坞重故事，而且好莱坞演员的念白都很棒，随便一句话都可以撑起来，加上电影画面牛，音效这种东西要你用好音响才能感受的到，所以想要看预告片真正的音响设计，还得去电影院里看前面的贴片。（imax版本的《007幽灵党》，前面有《火星救援》的全长贴片，那个录音水准和音响设计水平可以说是世界最高水平了，建议去看）
 
 话说话来，音响设计涉及到的声音层次有三层：音乐、旁白、音效。原理是：“此起彼伏，有起有伏”。
 
 
 
1、有起有伏
从大的音乐结构来看，必须做到“有起有伏”，音乐的能量不要一直高或一直低，需要变化。一般做音乐，同一个旋律走两小节，就要变化。要递进、中断或者旋律发生变化。否则观众看的时候会疲。
 
 
 
2、此起彼伏
 这里主要指音效和对白需要此起彼伏，简单来说就是“有音效的地方别有对白，有对白的地方别有音效”“音效和对白不要打架”。这个以剪辑师为主，在剪辑时就应该注意，音响设计师做辅助。
 
观众在一定时间流里面能够注意到的信息是有限的，预告片属于高强度的信息流，对于观众注意点的设置一定是排列有序而不是挤在一起的。
 
所以大家看标准范式的好莱坞预告片，大的节奏设计通常是固定的：“说几句话”+“插个音效”， 完成一组镜头。对应剪辑就是：几个叙述镜头加对白或旁白+能出音效的镜头。
 

3、其他
 
音响在频率上大致有“高、中、低”三个频率段，许多新的预告片公司作品，往往听起来不够饱满、音效怪怪的、衔接不够顺滑。原因有三。
 
一是忽视了氛围音，主要是低音的填补。有一些耳机几乎听不出来的长长的“嗡”“呜”的低音，我们是会随着音乐能量的起伏，压在音乐下面。这一层很重要，缺少了就会让音响变得很“薄”。
 
二是音效的融合度不够。同一个声音，比如开枪的声音，乐库里面可能有一千种音效，你要找到能够融合进整体音响里面的那一个。找不到，就试，试不出来就自己做变音处理，把它融合进去。融合度低的音效，就像一段光滑木板上面的倒刺，很扎手。
 
三是衔接处理要顺滑。一部电影预告片会用到好几段音乐，成百上千种音效。这么多的元素拼在一起，要把他们的接缝处打磨顺滑，不扎耳朵。
 
 
大概就是这些。上面说的技术和技巧偏多，实际上能够直接带来一些外部的感官刺激，属于比较表层的易学易上手的东西。真正学的比较慢的、难搞的，还是内在的东西，牵扯到特别多的故事原理和编剧原理，像如何做悬念、做矛盾冲突、做对抗、讲故事、加强带入感，如何把握剧透和吸引人之间的平衡等等。